4.- Sabías que fue posiblemente una "momia" del viejo Perú expuesta en el museo etnográfico de París la que empujó a Paul Gauguin a pintarla en uno de sus cuadros. Y que también la misma momia pudo haber inspirado a Edward Munch a la hora de pintar la figura desgarradora de su famoso cuadro "el grito".

5.- Los cuadros del pintor metafísico por excelencia, Giorgio de Chirico están cargados de misterio. La atmósfera que envuelve las enigmáticas figuras que pueblan sus pinturas, nos transportan a un mundo extraño alejado de toda realidad experimentada por nuestros sentidos.

Maniquíes que se aman y relacionan en espacios vacíos, dimensiones infinitas, arcadas renacentistas, un escenario desolador donde reina la nada. Rostros blancos sin ningún gesto, reflejos de la incomunicación y la futil existencia del ser humano.

6.- Un mundo irracional, cargado de imaginación y poesía. El mundo de Marc Chagall y sus cuadros.

Marc Chagall: La Pintura como Poesía. Marc Chagall, individualista y artista solitario. Miembro de una familia pobre y numerosa. Inconformista, ciudadano del mundo, permaneció niño, visionario y solitario toda su vida.

7.- Jean Dubuffet es el padre del "Arte Brut"que se acerca a los instintos, pasiones, deseos, violencia y delirios del hombre salvaje. Las reminiscencias de nuestros impulsos más primitivos ajenos a la lógica y a la razón se reflejan en sus "collages" terrosos (pintura matérica) formados por rascaduras e incisiones en la superficie. La pintura de Dubuffet supone un brusco flash-back temporal para nuestros sentidos.

8.- El arte "povera" o arte "pobre": Grasa, fieltro, hierba, hielo, arena, frutas y verduras, periódicos, cortezas de árboles, detritus de materiales naturales. La naturaleza como manifestación artística.

9.- El pintor nieto de Sigmund Freud, Lucian Freud realiza unos retratos y desnudos impactantes. Su fuerza radica en la maestría para captar la expresión humana un tanto descarnada de sus modelos tumbados en divanes que dejan traslucir la soledad.

10.- El expresionismo abstracto de Motherwell. El pintor norteamericano pinta "no la cosa sino el efecto que produce". Esta frase pronunciada por Mallarmé resume el propósito perseguido en su pintura por Robert Motherwell.

11.- R. Motherwell (1915-1991) formó parte de la Escuela de Nueva York junto a Jackson, Pollock, Mark Rothko, William De Kooning etc... Sus cuadros son masas de negro sobre blanco. Colores dominantes y sublimes que nos acercan al subconsciente.

12.- Los personajes de rostros dolientes con sus rasgos desgajados, surcos y arrugas pronunciadas pintados por Oskar Kokochska.

Kokoscha a través de su obra mantiene una continua búsqueda de sí mismo. En sus autorretratos mantiene una comunicación íntima con su trágica soledad tratando de descubrir el misterio de la vida y de la muerte.

Toda su obra tanto en cuanto a su técnica como a la temática gira entorno a la soledad del hombre y la autodestrucción.

13.- El expresionismo en Viena: Oskar Kokochska (1886-1980) y Egon Schiele (1890-1918). Ambos son considerados como los representantes austriacos del expresionismo. La relación entre Schiele y Kokoschka venía marcada por una gran competencia. Apenas mantuvieron contacto porque Kokoschka desarrolló la mayor parte de su obra en Alemania. El contenido de la obra de ambos pintores encuentra similitud, preocupandoles el tratamiento intenso y profundo de los temas relacionados con la condición humana como la muerte y la sexualidad.

Para los expresionistas y también para Shiele y Kokoschka, lo importante era las "vivencias" del alma que se traslucen de la realidad material y visible, siempre concebida como un estado transitorio de un estado de ánimo o de un sentimiento o una expresión simbólica. Para ellos la obra de arte ha de convertirse en una experiencia que provoque la vibración interior y no tan solo un elemento de placer estético.

14.- "Estas máscaras dolientes, escandalizadas, insolentes, crueles y maliciosas". Con esta palabras describía el pintor belga James Ensor...

Poco a poco James Ensor desarrolla un modo de ver acentuadamente personal que le permite liberarse de la estrechez y racanería de su entorno y que culminará en sus famosos CUADROS de MÁSCARAS. En lo grotesco y lo teatral, en la caricatura y la sátira será donde Ensor encontró el medio de expresión adecuado. Esta visión del mundo, radical, sarcástica e insolente que plasma en sus obras funcionan como válvula de escape en Ensor para poder soportar la tristeza de lo cotidiano y poder llevar una vida convencional y burguesa, sin enfrentamientos públicos con sus vecinos y colegas pintores.

En sus cuadros Ensor desenmascara lo grotesco y vulgar de lo cotidiano y le opone su propio mundo imaginario y fantástico. El lenguaje pictórico de Ensor, es en ocasiones sumamente áspero y hermético. Sus opiniones son crípticas y contradictorias, irónicas y mordaces al igual que sus pinturas.

Junto con las máscaras, la muerte está también siempre presente en los cuadros de Ensor. En ocasiones él mismo se representa como un esqueleto.

15.- Es sorprendente averiguar que el origen de la fotografía pudiera remontarse posiblemente al siglo XV. Fue entonces cuando fue descubierta la teoria de la "cámara oscura" y la "cámara clara". El procedimiento del calco, consistente en proyectar un rasgo de la imagen sobre una superficie y despúes perfilarse con lápiz, pudo ser utilizado por alguno de los grandes pintores de la historia de la Pintura.

Se cree que grandes pintores utilizaban instrumentos ópticos (lentes y espejos) para calcar imágenes de la realidad en sus lienzos. Caravaggio, Velazquez, Ingres, Vermeer y una larga lista se encuentran entre ellos. Quizás Leonardo, gran conocedor de las leyes de la óptica, pudo haber utilizado "lentes de apoyo" para calcar imágenes. Su famoso cuadro de la Gioconda está pintado siguiendo una extraña técnica en la que se funden en la misma imagen su propio autorretrato y el de la Monalisa.

Caravaggio claramente copiaba la realidad con la ayuda de instrumentos ópticos. Para sus cuadros de escenas costumbristas, disponía de actores (que contrataba) en distintas poses que con lentes ópticas proyectaba y calcaba, captando así un plano-escena como si de un auténtico de cine se tratara.

16.- Johannes Vermeer (Delft (1632) - Delft (1675). Pintor holandés de estilo enmarcado en el barroco centroeuropeo.

Es en el siglo XIX, poco después de la invención de la fotografía cuando Johannes Vermeer fue redescubierto como uno de los maestros holandeses más "modernos": En aquel período, se le llegó a conocer como "La esfinge de Delft", un apodo que hacía referencia al desconocimiento sobre su vida personal y profesional, al aparente SILENCIO de sus PERSONAJES y al CALMADO AMBIENTE de sus INTERIORES.

Es digno de señalar el interés mostrado por Vermeer por la cámara oscura, la perspectiva y la representación de la psicología interior.